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Adriaan Litzroth

Publié le par lesdiagonalesdutemps

 

Le 2 juin 1999 mourait dans un accident le peintre et dessinateur néerlandais Adriaan Litzroth. Il avait seulement 46 ans. Juste quand sa carrière commençait à émerger au niveau international. Les images ci-dessous témoignent de cette destinée tronquée. On peut retrouver d'autres oeuvres d'Adriaan Litzroth sur le site qui lui est dédié. www.litzroth.nl













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L'Adonis d'Hendrik Goltzius

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Hendrik Goltzius, Adonis, 1609, Rijksmuseum, Amsterdam.

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Philip Swarbrick

Publié le par lesdiagonalesdutemps

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Philip Swarbrick est né en 1956 près de Durban, Afrique du sud. Il a été, policier, illustrateur et plus tard, professeur d'histoire de l'Art au New College de Swindon. Il a aujourd'hui renoncé à cet emploi pour se consacrer à plein temps à la peinture. Un itinéraire peu courant, évolutions qui est l'aboutissement d'une découverte de soi commencée sur les plages de Durban dans les années 1960 et achèvée dans le dédale des rues de Londres...
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Il y a un élément de voyeurisme évident dans les peintures de Philip Swarbrick. certaines d'entre elles montrent des jeunes homme en flagrant délit de copulation alors que d'autres regardent directement le spectateur qui est ainsi directement impliqué dans la scène de sexe qu'il découvre.
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Swarbrick a incorporé son expérience à la fois d'être gay et policier en Afrique du Sud sous le régime de l'apartheid et en même temps il explore le monde clandestin de l'hédonisme dans son pays.

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Dans ses dernières compositions, ses peintures de la «jungle urbaine» Swarbrick s'écarte de thème exclusivement homosexuels pour peindre des images qui embrassent un contexte plus large tout en restant très homoérotiques. Il y a toujours d' une façon très frappante le courageux désir de représenter de jeunes corps masculins et l'interaction de cette beauté entre les garçons et sur leurs propres aventures intimes.

 

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L' Afrique du Sud dans laquelle a grandi Philip Swarbrick sous l'apartheid avait des lois anti-homosexuels. On peut penser que la peinture a été aussi pour Philip Swarbrick une sorte de libération et de défouloir. On peut avoir aussi le soupçon que le métier de policier dans un état autoritaire a pu mettre Philip Swarbrick, au minimum, à des scènes de sado-masochisme qu'il aime aujourd'hui tant représenter dans ses toiles. Grossièrement les sujets des toiles et des dessins de cet artiste se divise en trois grands groupes, le premier représentant l'antiquité gréco-romaine, beaucoup plus kitsch qu'historique, le deuxième met en scène la prostitution masculine et le troisième montre des accouplements homosexuels presque toujours sado-masochistes. 
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Fabrice Neaud, exposition au Festival International de Bande dessinée d'Angoulême

Publié le par lesdiagonalesdutemps

 

L'exposition apprend que l'art de Fabrice Neaud ne se limite pas uniquement à la bande dessinée et que celle-ci n'est pas seulement son journal intime (quatre volumes parus à ce jour chez ego comme x).

Le visiteur est accueilli par une grande toile peinte à l'acrylique qui me semble résumer l'amour gay. L'homosexualité est omniprésente dans cette exposition mais ne la résume néanmoins pas.

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Fabrice Neaud est aussi un artiste engagé comme le démontre les planches consacrées au triste vanneste.

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Le lecteur du journal retrouvera des "tirés à part" des volumes et aussi dans des planches, celles exposées sont souvent inédites, la science de la mise en scène du dessinateur pour les scènes dialoguées. Avec ce talent auquel chez lui s'ajoute celui de dessiner les scènes de sexe avec des angles surprenant, on se demande si Fabrice Neaud ne va pas suivre la talentueuse cohorte des dessinateurs qui se tournent vers le cinéma.

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On découvre également Fabrice Neaud photographe avec de grandes compositions représentant le chevet de différentes cathédrales sujet pour le moins inattendu par rapport au reste de sa production. Ces impressionnantes images sont obtenues grâce à la juxtaposition invisible de centaines de petites photos numériques retouchées à l'aide de logiciel.

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Autre surprise les premières planches d'une bande dessinée se déroulant dans un proche avenir dans lequel la guerre raciale fait rage en occident.

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Comme à Londres pour l'exposition Pop life un rideau séparait l'exposition tout public d'une salle réservée à un public averti comme l'on dit.

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Fabrice Neaud sait aussi être romantique comme dans cette dernière toile...

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Andreas Karayan

Publié le par lesdiagonalesdutemps

 

 

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Curieusement les peintres grecs semblent s'intéresser beaucoup aux jeunes hommes et en particulier aux militaires. Un de mes vieux amis me disait que la meilleure armée au monde était l'armée grecque... au lit! N'ayant pas ce genre de tropisme, je n'ai pas pu vérifier ses propos. Yannis Tsarouchis(1910-1989) a trouvé un successeur en la personne d'Andreas karayan à tel point qu'il est difficile pour certains tableaux de dire s'ils sont de Tsarouchis ou d'Andreas Karayan.

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Andreas Karayan est né à Nicosie, à Chypre en 1943. Il a étudié la médecine à Athène. Médecin en 1967, il abandonne aussitôt la médecine pour aller étudier la peinture à Londres puis en Allemagne. Il a representé Chypre à la Biennale de Venise en 2001 et à la Biennale du Caire en 2006. Il a fait de nombreuses expositions personnelles en Grèce, Chypre, Allemagne, Italie et Egypte...

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Wilheim Henrich Focke (1878-1974)

Publié le par lesdiagonalesdutemps

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Il est difficile de retracer la vie d'un personnage tel que Wilheim Henrich Focke, tant elle est riche et foisonnante et pourtant il demeure un inconnu en France.
Il est né à Brème en 1878. Il est le fils ainé du dr Johan Focke pionnier de l'aviation allemande et de son épouse, Louise (nièce du peintre français de la Duboissière Souchay). Son père fut le premier allemand a piloter un aéroplane. Johan Focke fonde la firme de construction d'avions Focke-Wulf . Alors que le futur peintre poursuit ses études d'art, son père devient sénateur et son jeune frère, prend la direction de l'usine. Bien que Wilheim soit lui aussi passionné d'aviation et de chevaux, après avoir quitté l'école secondaire en 1896, Wilheim Henrich Focke décide d' étudier l'art à Düsseldorf puis à Munich.
 Durant sa jeunesse, il aide, avec enthousiasme son père, à rechercher et rassembler des objets d'intérêt culturel et historique de Brême et de l' hinterland. C'est ce qui a constitué la base de la collection du Musée Focke. 
 Après avoir terminé son service militaire il continue ses études à Weimar et Berlin. Entre 1903 et 1913 il a été très lié à Max Liebermann, qui lui a permis d'avoir sa première exposition à la Kunstsalon caissier Paul.  Focke a été étroitement associé à Oscar Kokoshka, Max Slevogt, Olaf Gulbranson et Hans Thoma qui ont été actifs durant cette période à Berlin.
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Durant la première guerre mondiale, Il se bat en Turquie dans les Dardanelles contre la tentative de débarquement britannique. Il y est gravement blessé . A partir de 1916 il pilote un avion de reconnaissance et de sauvetage au-dessus de la mer du Nord. Entre deux missions, il invente sans cesse de nouveaux types d'avions, en particulier deshydravions.
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  Ses amitiés au sein du monde artistique de Berlin et sa gloire d'être le fils du premier aviateur allemand lui permettent d'intégrer le cercle artistique "Brücke". Ses affinités avec les peintres du groupe influencent ses débuts. Le corps nu est devenu de plus en plus central dans son art. Il a dessiné et peint ses amis et des connaissances de préférence en plein air. Il se plaisait à les représenter dans le même cadre que ses chevaux bien-aimés. Sa peinture se développe en dehors d'un style académique, vers une représentation plus naturelle du corps humain. Placer un corps en mouvement dans la nature est devenu l'un de ses thèmes favoris.
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Après la guerre, il enseigne pendant 10 ans, jusqu'en 1929, à l'École d'art de Brême. Durant cette période il peint surtout des nus, des animaux et des peintures de paysage. Son travail dans cette école d'art lui laisse des libertés . Ce qui lui permet de retourner à ses nombreuses inventions comme le chars à voile qu'il essaye sur son île bien-aimée de Juist dans la Frise. Il réalise aussi les premières ébauches de bateaux à double coques (catamarans), les marées et la puissance du vent disait-il sont mes meilleurs amis.
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Peu satisfait de sa profession d'enseignant qui à son gout ne lui laisse pas assez de liberté pour ses travaux,  à partir de 1930, il décide de vivre en artiste libre et indépendant. Ce qu'il fera jusqu'à sa mort, fin 1974...
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A l'arrivée des nazis, Wilheim Focke se considère comme un exilé de l'intérieur. Il s'installe en Allemagne du nord à Mechow au bord d'un lac idillyque devant lequel il s'adonne surtout à la peinture de paysage. Ses oeuvres connaitront un certain succès commercial. Dans cette région il a un vaste cercle d'amis qui l'aideront à passer les difficiles années de la guerre. Il s'éteint paisiblement en 1974, à l'âge de 96 ans.
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Focke fut aussi un grand sportif outre la voile, il fut un bon footballeur. Il contribua à la création du Bayern de Munich... Il pratiqua aussi à un bon niveau le badminton...
Après la mort inattendue du compagnon de longue date de l'artiste, ont été découvert les archives de Focke et un nombre important de peintures et de dessins dans un atelier auparavant inconnu. Beaucoup de ces dessins ont un thème homo-érotique.
 On peut voir plusieurs de ses oeuvres au musée Focke à Brème.
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Don Gene Bell

Publié le par lesdiagonalesdutemps

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Don Gene Bell est né en 1935 dans l' Indiana. Il a été élevé à Dayton dans un Indiana rural. Après des études à l'académie des beaux-arts de Chicago, il devient concepteur dans un studio de publicité. Pendant son temps à l'armée il travaille comme désigner au siège social d'une usine d'hélicoptères à Ludwigsburgh en Allemagne. Une fois libéré de ses obligations militaires Don Gene Bell retourne dans son Indiana natal où il poursuit ses études à l'université de l'Indiana où il obtient ses degrés de BA et d'AMF sous la férule de George Sadek. Don Gene Bell ensuite travaille à la télévision éducative de l'université de l'Indiana tout en était le conservateur et le concepteur pour le musée de l'université de l'Indiana. Puis il déménage à New York où il a travaille en tant que professeur à l'université d'Etat de New York. Don Gene Bell a participé à de nombreuses expositions de groupe à New York et dans sa région. Dans les années 70, il expose à la Robert Samuels Gallery à New York. En 1983 Charles Leslie et Fritz Lohman exposent ses oeuvres érotiques montrant des sarabandes de garçons nus à la Leslie/Lohman Gallery. Aujourd'hui il vit et oeuvre à Tucson dans l' Arizona. Ses images, volontairement anachroniques, semblent avoir été réalisées dans l'entre deux guerres et se veulent une illustration d'un âge d'or mythique dans lequel la sexualité des jeunes garçons serait libre et innocente.

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Sal Mineo nu peint par Harold Stevenson

Publié le par lesdiagonalesdutemps

 

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Lorsque j’ai proposé sur mon blog la peinture la plus célèbre d’Harold Stevenson “Le nouvel Adam” j’ai omis de l’accompagner d’un commentaire. Je me propose de corriger cette légèreté dès aujourd’hui car ce tableau qui appartient aujourd’hui à la collection permanente du Guggenheim Museum a une histoire peu banale.
Sa grande originalité mis à part son choix pictural est d’avoir eu pour modèle l’acteurSal Mineo , célèbre pour avoir été le partenaire de James Dean dans “La fureur de vivre”.
La peinture d’Harold Stevenson me semble être la rencontre improbable entre le pop art et le pompier disons celle de Rosenquist et de Jean Denis Maillard...
L’extravagance de la taille de la toile, 40 pieds par 8, et surtout son sujet fait qu’elle a est rarement montrée. Elle a été exposée la première fois dans le cadre d'une exposition en 1964 à la Feigen L.A.-Palmer's Gallery.
Le tableau avait été créé pour une exposition d’artiste du pop art au Guggenheim Museum, mais quand le commissaire de l'exposition, Lawrence Alloway, a vu le travail, il a dit avoir été en état de choc ". Il a rappelé Stevenson,pour qu’il retire l’oeuvre. Le Guggenheim a déclaré que M. Alloway avait penser que l’accrochage d’un tel tableau entraînerait des remous en raison de sa grande dimension et du réalisme brutal de nudité qui s’y étalait.. Il cragnait aussi en l’éxposant de porter atteinte aux autres œuvres de l'exposition qui étaient signées par Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist et Andy Warhol... Le tableau a été remplacé par une oeuvre de Rauschenberg.
C’est surtout par le gigantisme, qui est une tentation qui traverse toute l’histoire de la peinture américaine, plus que par les sujets peint, la posture face à l’art ou aux techniques pictorielles qu’à mon sens Harold Stevenson s’apparente, du moins en ces années 60 au pop art. Rosenquist a peint, à peu près à la même échelle, un gigantesque plat de spaghettis.
“Le nouvel Adam est resté invisible des années avant de réapparaître en 1992 à la Mitchell Algus Gallery située dans le quartier de Soho à New-York. Le tableau a été récemment sur les cimaises du Andy Warhol Museum de Pittsburgh. Cette manifestation a été la première rétrospective de l’oeuvre d’Harold Stevenson aux Etats-Unis. La toile a été exposé à Paris en 1963 à la Galerie Iris Clert.
Pour une rencontre optimale avec son oeuvre le peintre préconise une posture bien particulère pour le spectateur.
Le nouvel Adam se compose de neuf panneaux (si bien que l’oeuvre faute de place doit être souvent montrée sur deux murs à angle droit. Au Andy Warhol Museum de Pittsburgh, pour la première fois elle a pu être accroché sur un seul mur. Elle aurait initialement prévue pour être installée sur trois murs enveloppant ainsi le spectateur dans un vaste océan, apparemment sans limite de chair.). Chacun sont pensés pour être autonomes. Chacun possède sa propre cohérence compositionnelle. Le critique américain Michael Duncan se fait lyrique lorsqu’il décrit les différents éléments de l’oeuvre: << ... Le panneau à droite propose uniquement une piste mince de poils sur le corps à travers la largeur du diaphragme tristement ombragé. Les parties génitales sont structurellement minimisé en étant divisé horizontalement en deux panneaux. Dans le panneau de droite, la vaste étendue de la lumière le long de la jambe supérieure se lit comme une abstraction, tel un lever de soleil flou sur une ligne sombre horizon formé par le sillon des cuisses... Le Nouvel Adam emploie les conventions de la représentation de l'Odalisque, une jeune fille couchée du harem; pourtant le sujet est si étroitement cadré que le divan ou dans le lit dans lequel se prélasse le modèle a disparu. Les odalisques traditionnelles, telles que celles peintes par Delacroix ou Ingres, sont des figures de séduction, qui établissent en partie grâce à leur regard des liens implicites avec le spectateur dans une sorte d'échange sensuel. Odalisque masculine de Stevenson, cependant, se couvre les yeux, de sorte qu'il est incapable de regarder en arrière, le modèle devient un objet consommable du désir. Il peut être examiné sans la crainte de son regard. Offrant au spectateur une étendue vertigineuse de sa chair, “Le Nouvel Adam” suggère un équivalent visuel aux passages les plus sensuels de DH Lawrence... Hormis sa monumentalité, l'ambition picturale du “nouvel Adam” est évidente dans la main pointant du modèle, dont la pose est tirée de celle de l’Adam de Michel-Ange du plafond de la Chapelle Sixtine. Avec ses doigts légèrement enroulés, la main droite le long du corps semble indiquer où le travail est vraiment vivants. La main gauche au sommet du cinquième panneau, repose légèrement juste au-dessus du nombril et de diriger l'attention du spectateur vers les parties génitales. Stevenson s’est inspire pour cette main de la sienne, comme pour montrer que c'est avec une caresse que le créateur de l'image confère à son Nouvel Adam l'étincelle de la vie.>>.
Cette peinture gigantesque a été conçu comme le témoignage de la relation amoureuse que Stevenson a entretenu avec Lord Timothy Willoughby, le petit-fils de Nancy Astor (la première femme membre du Parlement). L’ utilisation de l'acteur Sal Mineo (gay également) en tant que modèle en raison l'absence de Willoughby, a été commenté par Stevenson comme sa volonté « d'être au-delà de la captivité, au-delà de confinement, mais dans un espace où la chair est sans fin. >>. L'exposition de Pittsburgh, organisée par Mark Francis, comprenait aussi une série de 21 portraits de Willoughby avec de nombreuses études et un important matériel documentaire.

 

Harold Stevenson

 

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Two Angels at Lots House in Sodom, 1986, Harold Stevenson (1929 American), Chisholm Gallery, West Palm Beach, Florida (1134-675 © Chisholm Gallery)

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Exodus 2:5 1986 Harold Stevenson (b.1929 American) Oil On Linen Chisholm Gallery, West Palm Beach, Florida, USA (1134-671 / 1134-671 © Chisholm Gallery)

Stevenson qui est né en 1929 aux Etats-Unis est aujourd’hui quasiment connu seulement que pour cette gigantesque peinture du “Nouvel Adam” qu’il a peinte en 1962. Originaire de Idabel, en Oklahoma, où il réside encore une partie de l'année, Stevenson semble être un personnage hautement improbable . Il est pourtant le produit de l'Amérique profonde. Il est en grande partie un artiste autodidacte, à l'âge de 20 ans il est montré à New York avec son ami Alexandre Iolas.
Ses toiles sont souvent de grande échelle , 48 pieds de hauteur pour la peinture du torero El Cordobes en 1964. Son travail a été souvent inclus dans les années 60 dans des expositions sur le Pop art , telle celle en 1962 intitulé "Les Nouveaux Réalistes" à la galerie Sidney Janis. Stevenson a longtemps fait parti de l’entourage d’ Andy Warhol. Il a fait l'objet d'un film de Warhol, “Harold”, en 1964 (il serait actuellement en restauration). Dans les années 80, il a partagé son temps entre Paris et New York. Ensuite il a beaucoup fraquenté Key West, où il a peint de nombreux tableaux . Il s’est ensuite établi à Long Island, cultivant toujours, malgré son âge avancé une image de dandy.
Michael Duncan a un avis très positif sur Harold Stevenson et surtout sur le nouvel Adam, avis qui n’est pas partagé par tous.
Dans son “Journal de Travers (éditions Fayard) Renaud Camus qui au milieu des années 70 était proche de la “bande” à Warhol, ce dernier avait alors un appartement à Paris rue du Cherche-Midi où il résidait sporadiquement, par l’intermédiaire de son ami W., dresse un portrait cocasse d’Harold Stevenson. Sous la plume de Renaud Camus, le peintre américain fait plus penser à Quentin Crisp qu’à... Matisse...


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Nota: ce billet doit beaucoup à cet autre que l’on peut trouver ici

 

Pour retrouver Sal Mineo sur le blog

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amour intergénérationnel mystérieux

Publié le par lesdiagonalesdutemps

 

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Regard homo-érotique sur la peinture italienne 1925-1945

Publié le par lesdiagonalesdutemps

 

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Corrado Cagli

Lors de mes nombreuses promenades dans les musées d'art moderne et les galeries d'Italie ainsi que sur la toile et dans ma bibliothèque, j'ai pu constater que la peinture italienne de l'entre deux guerres était parcourue par un plus ou moins discret homo-érotisme. Mais il est en rien comparable à l'homo-érotisme guerrier que l'on peut trouver dans la peinture allemande de la même époque qui ne trouve en Italie son échos que dans les sculptures des atlhètes du foro italico à Rome. Celui-ci est plus élégant et plus varié. Il est représenté par plusieurs artistes dont les styles sont assez différents, ils se nomment: Filippo de PisisCorrado Cagli, Guiseppe Capogrossi, Emanuele Cavalli, Janni, Alberto Ziveri. De ce coté des Alpes, de la peinture italienne de cette époque, on ne connait guère que Chirico , dont j'ai mis l'homo érotisme de certaines toiles en évidence dans un ancien billet, Morandi et Magnelli. Voici un florilège , de ces toiles, pour moi troublantes... 


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Corrado Cagli

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Giuseppe Capogrossi

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Giuseppe Capogrossi

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Giuseppe Capogrossi


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Giuseppe Capogrossi


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Emanuele Cavalli

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Emanuele Cavalli


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De Pisis

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Janni

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Janni

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Alberto Ziveri

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Alberto Ziveri.
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