Pavel Tchelitchew ou Tchelitchev (réédition complétée)

Publié le par lesdiagonalesdutemps

 

 

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Pavel Tchelitchew 1948 par George Platt Lynes 


Peintre, sculpteur et créateur de langue russe, Pavel Fyodorovich Tchelitchew ou Tchelitchev est né le 21 Septembre 1898 dans le district de Kaluga, près de Moscou, dans le domaine agricole d'une famille aristocratique. Ce domaine est si vaste que le père de Pavel était connu sous le surnom de "roi de la forêt". L'enfant est éduqué par une série de gouvernantes (française, allemande et anglaise) qui a encouragé son intérêt pour les arts. 

Son père, un adepte des principes de Tolstoï, a soutenu son désir de devenir peintre. Malgré les vues libérales de son père, la famille a été expulsée de sa propriété en 1918 après la révolution de 1917. 
Tchelitchew rejoint l'Armée blanche. Avec sa famille il a fui à Kiev, qui n'était pas encore sous contrôle communiste, où il a étudié avec Alexandra Exter et produit ses premièrs décors et costumes pour le théâtre. Toute sa vie Tchelitchew s'intéressera à cette forme d'art. Dans ce domaine il sera influencé d'un autre de ses professeur de Kiev, Isaac Rabinovitch, un artiste cubiste constructioniste. Rabinovitch deviendra l'un des plus célèbres créateurs de décors de théâtre dans la Russie soviétique.

En 1920, fuyant l'avancée de l'armée rouge, il est recruté par l'armée blanche dans laquelle il est affectés à des travaux de cartographie. Le repli des blancs l'amène à Odessa.

 

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Où toujours passionné par le spectacle, il réussit à concevoir les décors d'un ballet pour une petite troupe locale, probablement au cours d'une accalmie dans les combats. Mais bientôt il décide de déserter l'armée blanche et de fuir la Russie. Dans Sébastopol, il rencontre un charmant lieutenant de la marine française qui le fait embarquer clandestinement à bord de son croiseur qui naviguait vers Constantinople. De là Tchelitchev gagne Berlin où il arrive en 1921. Il y commence une carrière de décorateur et de créateur de costumes pour les spectacles des cabarets. Rapidement, il est invité à travailler pour une production de Rimsky-Korsakov, "Le Coq d'Or" pour l'Opéra de Berlin.  Ses dessins sont si extravagants et coûteux, que la production mène l'opéra  au bord de la faillite.  La première est "un triomphe personnel pour Tchelitchev mais une catastrophe publique.", écrit Kirstein.

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Autoportrait avec Allan Tanner (1924-1928)

  

A Berlin  Il rencontre le pianiste Allen Tanner, Ce sera la première relation amoureuse sérieuse du peintre. Le portrait de son ami est un des premiers qu'il réalise.


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Poires (1927)

 

 En 1923, ils déménagent à Paris  où il espère revoir sa sœur dont il n’a plus de nouvelle depuis sa fuite de Kiev. Paris est alors l’incontestable capitale des arts.  Dès son arrivée à Paris, Tchelitchew a commencé à se concentrer sur la peinture. Il s'éloigne des influences de l'abstraction et de l’enseignement qu’ il a reçu à Kiev.  Si Tchelitchew a reçu une formation classique et traditionnel en dessin, Sa première influences a été le romantisme macabre de Doré, A Kiev ses maitres l'oriente vers le cubisme et le constructivisme. Mais Il réagit rapidement contre l'accent mis sur les formes géométriques simple comme les cônes et les cubes. Il revient bientôt à un style figuratif, en utilisant tous les dispositifs traditionnels de l'anatomie et de la perspective et commence à travailler dans un style plus en courbes, une décision qui le conduit à un nouveau style de représentation, qui utilise tous les dispositifs traditionnels de l'anatomie et de la perspective. Il se voue surtout aux portraits, ceux des membres de l'avant-garde et de l'élite homosexuelle parisienne. 

 

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Trois têtes, Portrait de René Crevel (1926), Ruth Ford et Charles Henri Ford 

Dans ses tableaux Tchelitchew développe alors un penchant pour le bleu et le rose. Ce qui fait scandale dans le petit milieu de la peinture ce, qui lui fait gagner i le surnom de «Prince du mauvais goût".

En 1925, il expose au Salon d'Automne, "Panier de fraises". Il attirer l'attention de Gertrude Stein qui achètent la totalité du contenu de son atelier. 


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Panier de fraises, 1925

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C'est par l'intermédiaire de Gertrude Stein qu'il fait la connaissance de René Crevel et d'un groupe d'artistes et d'intellectuels où se côtoient Christian Bérard, Eugène Berman, le photographe et écrivain Carl Van Vechten, le traducteur Bernard Faÿ, mais aussi la poétesse Edith Sitwell, dont Tchelitchev réalisa le portrait. Selon une rumeur, il semble qu'Edith Sitwell ait éprouvé pour lui une passion malheureuse. A la fin de son séjour parisien l’atelier de l’artiste se trouve au 2 Rue Jacques Mawas, Paris XV ème.

 


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Pavel Tchelitchew stops in the name of love

 l'artiste dans sa jeunesse
 

Gertrude Stein avec Alice B. Toklas et Pavel Tchelitchew

Gertrude Stein avec Alice B. Toklas et Pavel Tchelitchew

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En plus de devenir un peintre accompli, il est également devenu l'un des scénographes les plus novateurs de l'époque. Pavel Tchelitchev travaille pour Serge Diaghilev (j'ai consacré un billet à Diaghilev, c'est ici ) en créant des décors et des costumes pour les Ballets russes, en 1928 pour l’Ode. En 1939, pour Louis Jouvet il réalise les costumes et les décors d' "Ondine" de Jean Giraudoux.


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Accueil du programme Ballets russes (1928)


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Portrait Homme (1929), collection privée

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1929

Dès 1926, il a développe sa technique de plusieurs images sur une seule toile, qu'il a par la suite combinée avec une triple perspective. Par ce moyen il  cherche à recréer les mouvements du corps. Ces paysages corporels  aboutissent à des compositions complexes et fantastiques. L'ambiguïté et la métamorphose sont les ingrédients essentiels de la plupart des grandes oeuvres de Tchelitchew. Dix ans plus tard ces recherches trouverons leur accomplissement dans son chef d’oeuvre, “Hide and Seek”. Toujours en 1926, il participe à la Galerie Druet à Paris, à une exposition de groupe dont le titre a donné lieu à l'appellation «néo-romantique", une désignation qui s'applique à un groupe de peintres figuratifs de différents tempéraments. On retrouve aux cotés de Tchelitchev par exemple ses amis Christian Bérard et Eugène Berman.

 

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Le tableau ci-dessus est représentatif des oeuvres faites dans la mouvance de Bérard. Lors de l'exposition la galerie Druet mentionne que cette oeuvre s’inscrit dans la production de Tchelitchev liée au groupe de Bérard. Tchelitchev s’inspire alors volontiers des figures emblématiques du groupe telles que l’acrobate et le clown. A la représentation de ces sujets, qui évoquent alors souvent tristesse et douceur, isolement et humour, il ajoute parfois les thèmes qui lui sont propres comme l’abandon et le sommeil, comme, par exemple dans son clown endormi. L'oeuvre ci-dessus restitue bien cette fragilité de l'homme durant son sommeil.


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Vers 1930, il se livre à diverses recherches sur la couleur, délaissant le bleu, il explore l’usage d’une gamme de rouges allant du vermillon au lie-de-vin comme le montre notre gouache. Plus précisément, cette figure est à rapprocher d’une série aux dimensions semblables de portraits de Robert Petit : ce dernier est représenté endormi  souvent dénudé, dans diverses positions dans des draps rouges.


  

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Enterrement de l'acrobate (1930)
Mais Tchélitchev a toujours été rétif à ce que son nom soit accolé à une école ou à un autre artiste. Par exemple il a toujours désapprouvé, en dépit des similitudes de leur travail qu’on le rapproche de Salvador Dalí. Il a d’ailleurs toujours nié toute association avec le surréalisme. Ce qui est tout de même difficile à admettre lorsque l'on regarde par exemple la toile ci-dessous...
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Il arrive même à Tchelitchev de glisser du fantastique dans ses portraits les plus classiques, comme cette petite fille visitée par des papillons...
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En 1930, Tchelitchev présente ses œuvres dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York qui a ouvert l'année précédente. Quatre ans plus tard, il décide de quitter Paris avec son compagnon, l'écrivain Charles Henri Ford qu'il vient de rencontrer à Paris, et de vivre à New York, où  Lui et Ford deviennent rapidement le centre d'un petit monde d’artistes et d’ homosexuels fortunés. On peut citer  notamment, Glenway Wescott, Alice B. Toklas, George Platt Lynes (voir mon billet sue le photographe, ici ), et surtout Lincoln Kirstein, pour qui, il conçoit des ballets. Il continue aussi à travailler comme décorateur et créateur de costumes pour des metteurs en scène et des chorégraphes, tels George Balanchine ou encore A. Everett Austin, le directeur du Wadsworth Atheneum de Hartford, dans le Connecticut, pour lequel il dessina de nombreux décors et des costumes de ballet.

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Portrait de Charles Henri Ford à Poppy Field (1933)

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                                               portrait aux traits de Charles Henri Ford

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Le portrait qu'il peint de son ami Charles Henri Ford montre une rupture de style. Il installe curieusement son modèle dans un champ de coquelicots. On peut penser que la rencontre de Charles Henri Ford a été pour Tchelitchev a été un tournant décisif aussi bien dans sa vie que dans son oeuvre.


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Portrait de Lincoln Kirstein (1937), Whitney Museum of American Art
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Peu de temps après avoir rencontré Lincoln Kirstein, Tchelitchev peint son portrait qu'il situe dans un environnement "daliesque". Le "gourou" américain de la danse est représenté en trois figures charismatiques comme dans une supputation freudienne. Dans une partie du tableau, Tchelitchev représente Kirstein en boxeur, nu  son gant de boxe faisant office de feuilles de vigne, probablement pour symboliser les combats du mécène. A gauche l'avatar de Kirstein est un homme d'affaires en costume, l'homme de Wall Street, la figure centrale rend hommage à l'homme d'action qui fait face au spectateur vêtu d'un blouson de baseball. Kirstein écrira en 1947, le premier livre sur le peintre.



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 1938

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Tchelitchev n'a jamais caché son homosexualité; il semble d'ailleurs d'après les témoignages que cela aurait été difficile... Pendant une période de dix ans  de 1929 à 1939, l'oeuvre du peintre reflète sa passion pour le corps masculin et sa vision d'une sexualité désinhibée. Ces toiles sont des rêves de mondes  dans lesquels les hommes vivraient nus et libérés de la culpabilité de la sexualité.  Ses travaux comprennent, en plus de tableaux de nu bien-connu  tel que “Tattooed Man” (1934), un certain nombre de dessins à la plume et à l’ encre et de croquis qui illustrent le désir homoerotique. Certains sont conservés dans la  Collection Kinsey d’ art érotique. Un autre peintre émigré russe, Andrey Avinoff, traite aussi le sujet à la même époque (on peut aller voir le billet que j'ai consacré à ce peintre: Andrey Avinoff (réédition complétée))

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Homme tentaculaire nue dans un fauteuil (1930), Allen Tunner Collection

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Hommes s'embrassant, 1940, Collection Kinsey Institute

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le sommeil du marin, 1940, Kinsey Institute Collection

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Nu masculin, Collection Kinsey Institute

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Homme assis avec peignoir ouvert, Kinsey Institute Collection
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L'artiste a également réalisé des aquarelles pour illustrer le roman gay ecrit par Ford et Parker Tyler, «Les jeunes et le mal" (1933). Ces travaux n'ont jamais été publiés avec le texte jusqu'en 1988. 
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Le Chapeau de paille vert (Giovanni), 1930, collection privée
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En 1936, il peint Phenomena qui est le tableau le plus célèbre dupeintre. Il était prévu que ce soit le premier tableau d'une série de trois. 

C’est un grand tableau, à la construction rigoureuse, dont l’inspiration lui vint après avoir vu un spectacle de monstres de foire à New York. On est d’abord frappé par les couleurs d’arc-en-ciel, crues, vulgaires, en bandes horizontales. La composition pyramidale mêle rochers et constructions, laissant une montagne sauvage à gauche et des grands immeubles à droite...

 

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Phenomenia 

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phenomenia (détail)

ci-dessous Pavel Tchelitchew avec «Phénomènia»  à la Galerie Tooth, 1938
Pavel Tchelitchew avec «Phénomènes» sa peinture à la Galerie Tooth, 1938
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Essayons d'ausculter ce tableau: Dans tous les plans de "la plage centrale, on voit des monstres: deux fillettes aux pieds géants, une femme avec cinq seins, un bébé doté de deux corps pour une seule tête, un homme à la peau tachetée, un baigneur/baigneuse bisexué sur le dos. Au centre gauche se trouve une curieuse assemblée, des sirènes, des toreros, des cul de jatte. Au fond, un amas de têtes coupées est harangué par un général sabre au clair... Partout des monstres, ils emprintent souvent les traits d'artistes contemporain de Tchelitchev. On y reconnait entre autres Gertude Stein, Léonor Fini, Alice B. Toklas et Nicholas Magallanes, un des modèles préférés du peintre, qui deviendra plus tard un célèbre danseur. 


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Portrait de Nicholas Magallanes (1937)
4858039693_87da4148fc_z%255B1%255D.jpgPortrait de Nicholas Magallanes
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Tchelitchev s'est lui même représenté à l'extrême gauche en train de peindre. Est-ce un monde malade, déliquescent, détruit par le totalitarisme ou par la science débridée que nous montre l'artiste? Ou est-ce au contraire un immense éclat de rire mystico-surréaliste peuplé de formes molles à la Dali et de créature à la Bosch, et menant joliment le spectateur d'étonnement en répulsion? Tchelitchev est un peintre insolite mystérieux et visionnaire. Ce tableau est le premier d'un triptyque inachevé dont chaque tableau devait s'appeler Enfer, Purgatoire et Paradis (le thème de toute son oeuvre?). Le second élément tout aussi étrange, Hide and seek est au MOMA à New-York. Dans les années 70, il était un des tableaux les plus populaires. Mais il n'est plus exposé depuis 20 ans.
 
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Hide and Seek (1940-1942), le MoMA
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Hide and seek se caractérise par le rouge vibrant d'un arbre énorme d'où émerge des parties de corps humains. Le troisième tableau de la série n'a jamais été terminé. Avec eux, Tchelitchew, a cherché à montrer un voyage imaginaire de l'âme vers l'immortalité, un processus qui conduirait à un nouvel âge d'or. Fondant l'Enfer, le Purgatoire et le Paradis dans la vision cosmique d'une Renaissance néo-platonicienne. Tchelitchew a également développé une iconographie complexe dans une longue série d'images, laissé inachevée au moment de sa mort, conçue comme une allégorie de l'esprit.
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L'exposition "une image peut en cacher une autre" qui s'est tenue au Grand Palais à Paris, il y a quelques années a été une occasion rare de pouvoir admirer et espérons le redécouvrir Phéenomenia.
Ces deux tableaux lors de leurs présentations n'ont pas fait l'unanimité. Si Alfred Barr, dans sa maitrise sur l'art moderne a résumé les mystères qui englobes ces peinture par: << C'est un arbre de vie qui devient l'horloge des saisons, ses verts et rouges enflammés et ses bleus hivernals célèbrent le cycle annuel de mort et de renaissance>>. A l'inverse Clément Greenberg déclara en 1942, lors de la rétrospective Tchelitchev au MOMA: << Avec ses couleurs stridentes et gélatineuse, Tchelitchev a atteint un nouveau sommet de la vulgarité.>>. 

 

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Henry Ford et Charles Pavel Tchelitcheff photographiées par Cecil Beaton, 1941
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De 1940 à 1947, Tchelitchev réalise de nombreuses illustration en couverture et en pages intérieures pour le magazine surréaliste view que dirige son ami Charles Henri Ford et le critique decinéma Parker Tyler. Les autres artistes qui réalisent les couvertures de la revue s'appellent Joseph Cornell, André Masson, Georgia O Keeffe, Fernand Léger, Esteban Frances, Marcel Duchamp, Wilfredo Lam, Morris Hirshfield, Leon Kelly, Brancusi, Magritte... un bel aréopage. View publie des textes de Wallace Stevens, William Carlos William, Henry Miller, Paul Bowles et des surréalistes, Breton, Nicolas Calas et Benjamin Perret... La revue a également édité des numéros spéciaux sur Max Ernst, Yves Tanguy, Pavel Tchelitchev et Marcel Duchamp... Plusieurs de ces numéros spéciaux ont été les premières monographies publiées en anglais sur ces artistes. Le magazine a également ouvert ses colonnes au jazz le plus contemporain et au théâtre.  



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Autre, facette de l'activité de l'artiste l'illustration de classique de la littérature, comme Crime et châtiment pour une édition de luxe comme on peut le voir ci-dessous.

 



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Il illustre aussi "Les vèpres" d'Auden, poème inclu dans Horae canonicae. Ce poème s'ouvre avec les vers de ce verset:
If the hill overlooking our city has always been known as Adam's Grave, only at dusk can you see the recumbent giant, his head turned to the west, his right arm resting for ever on Eve's haunch...
  
  Si la colline surplombant la ville a toujours été connu sous le nom de Adam's Grave, seulement à la tombée de la nuit vous pouvez voir le géant allongé, la tête tournée vers l'ouest, son bras droit au repos à tout jamais abandonné près de la hanche ...
 
Cette colline n'est pas une invention de Auden. Elle a été inspiré par une peinture, faite en 1940 par Pavel Tchelitchev. Auden a rencontré le peintre par l'intermédiaire de Lincoln Kirstein, qui est un ami proche à la fois du poète et du peintre. La peinture, à l'huile sur toile, est intitulée "Fata Morgana" qui est le nom d'une fée dans diverses légendes chevaleresques du cycle arthurien. Ce terme a pris aussi ensuite le sens secondaire de "mirage".
Auden a sans doute vu "Fata Morgana"  soit dans l'atelier de Tchelitchew ou soit dans la collection de Ruth Ford, où la peinture serait toujours aujourd'hui.
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Fata morgana
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Pendant les années 40 et 50 Il a continué son travail de designer pour l'American Ballet, pour  Balanchine, et pour A. Everett "poussin" Austin, un ami et directeur du Wadsworth Atheneum de Hartford, au Connecticut.
  

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Portrait et Nature Morte (1930), Whitford Fine Art



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Homme tatoué (1934)



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Le Whirlwind (1939)

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Portrait de Edalzhi Dinsho (1940)
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Chef transparent (1944)

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Paysage intérieur (1946)

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Chapitre IV (1950), Musée d'art de Cleveland, Ohio, États-Unis

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autoportrait


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portrait de Ruth Ford (1935)


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Garçon avec Anémones 




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Considéré comme un membre de l'école néo-romantique, ses œuvres reflètent une attention aux forces mystiques de la nature, en particulier à celles tapies dans le corps humain.  Bien que son travail soit largement méconnu aujourd'hui, il a connu un grand succès, lorsque en 1942 le Museum of Modern Art de à New York lui consacre une rétrospective. Cette exposition que l'on peut considérer comme l'apogée de sa carrière, a créé toute une polémique entre ceux qui rattachaient le peintre au mouvement surréaliste et ceux qui le considéraient comme ayant dépassé les limites trop étroites (pour eux) du mouvement.


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Le peintre aime peupler ses tableaux de ses amis et relations qu'il distribue dans des rôles parfois insolites. C'est ce qui arrive à Askew Constance, l'épouse de l'un de ses plus fidèles collectionneurs qui devient une ravissante sorcière regardant dans son miroir magique (voir ci-dessus)!


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par George Platt Lynes, Pavel Tchelitchew, 1947
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A la fin des années 40 l'artiste semble subjugué par le corps humain, mais plus seulement par sa surface mais par les nerfs et les artères qui le parcourent et par le squelette qui le soutient. Le résultat sont des sortes de planches d'anatomie fantastique...


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Dans ces années là, il s'essaye aussi à la sculpture...
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Dans les dernières années de sa vie, à partir de 1950-51, le style de Tchelitchev évolue vers une apesanteur, une transparence, une dématérialisation et paradoxalement une géométrisation des formes. Cette mutation s'inscrit également parfaitement dans les innombrables fantasmes sur le thème de l'atome qui ont fécondé alors l'imagination après 1945 de nombreux créateurs ( le dôme géodésique de Buckminster Fuller, l'Atomium à l'Exposition Universelle de Bruxelles en 1958...), tout en préfigurant New Age.


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Il acquiert la nationalité américaine en 1952. 
En outre il est l' auteur de l’étiquette du Mouton-Rothschild 1956, La Tache de Vin, dessinée juste avant sa mort survenue à la suite d'une crise cardiaque à Rome le 31 juillet 1957 Charles Henry Ford était à son chevet. Ses cendres ont été déposé au columbarium du cimetière du père Lachaise à Paris, dans la section des artistes et créateurs étrangers qui ont fait de Paris leur patrie de coeur...


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Alors qu'à la gloire succéda très rapidement pour l'artiste, un purgatoire et cela bien avant sa mort, il semble que depuis quelques années se met en place  une réévaluation de Pavel Tchelitchev. Ce qui donnerait raison à Duncan, auteur d'une modeste mais importante étude sur l'artiste qui suggère que le récent déclin de la réputation de Tchelitchev était seulement une éclipse momentanée. Récemment a été organisé une rétrospective de l'oeuvre de l'artiste à la Manhattan Midtown Galeries Payson. Cette manifestation a fourni une excellente occasion de réexaminer les travaux de cet peintre résolument ambiguë. Un grand nombre de pièces ont été  habilement assemblé par le directeur  de la galerie, Edward De Luca. L'exposition comprenait quelques 70 peintures et œuvres sur papier dont plusieurs études de nu masculin et quelques uns de ses dessins pour le théâtre.


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Mais il n’y a pas qu’à Manhattan que l’on redécouvre Tchélitchew, la présence de "Hide and Seek" dans l’exposition “Une image peut en cacher une autre" en est une preuve. Encore plus significative est la redécouverte de l’artiste par son pays natal, comme le prouve l’accrochage de la galerie Treliakov à Moscou, le musée d’art contemporain de la capitale russe qui fait une belle place à Tchelitchew aux cotés d’Archipenko, Chagall,  Rochenko, Kuzma Petrov-Vodkin, Konstantin Yuon, David Shterenberg, Dimitri Krasnopevtsev, Alexander Tyshler... Autant d’artistes qui étaient banis au temps de l’U.R.S.S.

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On peut penser que la désaffection qu' a connu l’oeuvre de Tchelichev, comme celle que subit  presque tous les peintres figuratifs, dès le début des années 50, n’est pas seulement causée par l’espèce de totalitarisme que faisait alors régner l’abstraction sur le monde de l’art, mais aussi par le fait que Tchelitchev ayant été influencé successivement par plusieurs écoles, le cubisme, le retour à l’ordre, le surréalisme... Tout en ne voulant appartenir à aucune, il est vrais que son oeuvre n’appartient vraiment à aucune d’entre elles, il est vraisemblable que cette diversité a précipité le processus d’oubli qui l'a frappé.
D'autre part on lui a reproché d'être un touche à tout, peintre, illustrateur, décorateur, concepteur de costumes, sculpteur... Et puis sont cosmopolitisme lui a aussi très certainement nuit.
Il ne nous reste plus qu'à espérer une rétrospective Tchelitchev à Paris, on s'apercevra alors quel dessinateur magistral il est.


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Nota: 
1- cet article doit beaucoup à l'excellent site sur l'art Les lunettes rouges  à visiter et à revisiter.
2- J'ai consacré un billet à la revue View, c'est ici

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Commentaires lors des précédentes éditions de ce billet


C'est gentil de me créditer, mais vous avez fait un travail biographique et esthétique autrement plus important que ma petite notice sur son tableau à la Tretiakov.
En effet Hide and seek est au Grand Palais actuellement : étrange !

Posté par Lunettes Rouges, 15 avril 2009 à 01:45

réponse à lunettes rouges

Il me semblait tout à fait normal de vous créditer puisqu'à propos de la toile "phenomenia" j'ai fait un quasi copier-coller de votre texte étant totalement d'accord avec vous, ce qui est d'ailleurs très bien (ce qui n'est pas toujours le cas trouvant que vous avez une conception trop française de l'art contemporain et que vous n'êtes pas assez "peinture-peinture" comme l'on dit assez bêtement aujourd'hui, néanmoins je suis un de vos fidèles lecteurs) et ne voyant pas comment j'aurais pu écrire mieux ce que vous aviez déjà écrit.
On pourrait dire encore beaucoup de choses sur Tchelichev à commencer par le fait qu'il ait rencontré à peu près tous les créateurs (mis à part pour le cinéma) qui on compté dans la première moitié du XXème siècle par exemple Cecil Beaton dont il a fait le portrait et décoré une partie de la résidence.
Ces rencontres, via dans la deuxième partie de sa vie, Charles Henry Ford et la revue View sur laquelle je reviendrai, ont énormément influencé son art, peut être trop, cette forte personnalité étant en même temps assez perméable aux influences de ceux qu'il admirait.
Je ne trouve pas sa présence curieuse dans l'exposition "une image peut en cacher une autre. Je pense seulement que son tableau Fata morgana aurait été plus dans la ligne du commissaire de l'exposition que celui qui y est présenté.
Je pense que la place de Tchelichev dans l'histoire de l'art sera réévaluée. Je constate que les surréalistes, et en premier lieu Dali, mais aussi Magritte, Ernst, Delvaux ...sont les plus touchés des peintres par ce phénomèe de yoyo que subit leur réputation sans que je m'explique pourquoi...





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pour voir d'autres peintres américains modernes que l'on peut envisager comme faisant de l'"art gay:  Cody Ferguson,  James Childs,  Mark Beard (Bruce Sargeant 1898-1938),  cover boy par Paul Richmond,  Cornelius McCarthy (2),  Ron GriswoldDeborah Poynton,  Jonathan Reid Sévigny,  Philip Gladstone,  Paul Cadmus (1904-1999) 1,  Paul Cadmus 2,  Paul Cadmus 3,  Brian Kenny,  Matthew Cusick,  Alan Macdonald,  Will McBride,  Gio Black Peter,  SECRET HEROES par BRIAN KENNY,  Harry Bush,  Stanford Kay,  Edward BurraJack Cowan,  André Durand,  Wes Hempel,  Daniel Barkley,  Rick Herold (1941),  Kent Williams,  John Legrand (1916-2005),  Ryan Martin (2),  Patrick Angus (1953-1992) édition augmentée,  Steven Clayton Corry (2012)Steven Clayton Corry (2),  Michael Bergt,  Don Gene Bell (1926-1989),  Don Emerson Wight (1924-1999) ,  Don Emerson Wight (1924-1999) 2,  Claude Buck 1890-1972,  Don Bachardy,  Saul Bolasni,  Bernard Perlin,  Walter Sluempfig,  Walter Sluempfig (2)Pavel Tchelitchew ou Tchelitchev (réédition complétée)Andrey Avinoff (réédition complétée)

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