Keith Vaughan (1912-1977)

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Keith Vaughan par Felix H. Man (Hans Baumann) 1945

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Keith Vaughan est né le 23 août 1912 à Selsey dans le Sussex, en Angleterre, mais ses parents déménagent, peu de temps après sa naissance, à Londres, ville où il a vécu pendant le reste de sa vie. Il a un frère cadet qui sera tué à la guerre en 1940. Son père quitte le foyer lorsqu’il n’a que huit ans. Il a étudié à la Christ's Hospital école, une école publique à Horsham, où il était pensionnaire. Curieusement dans cet école, il a eu des cours l'art sur la Renaissance italienne, ce qui n’est sans doute pas pour rien dans le déclenchement de sa vocation. Son professeur de dessin, un maître éclairé, H. A. Rigby  encourage le jeune Keith Vaughan à la pratique du dessin et favorise en particulier son intérêt pour Frank Brangwyn, dont les peintures murales ornent la chapelle de l'école.

 
Keith Vaughan, Untitled (Vertical Landscape)
De 1931 à 1938, il assume un travail, qu’il qualifie de routier dans une agence de publicité (Lintas). Il trouve une certaine compensation à ce labeur en étant en contact avec des artistes qui travaillent à l’agence tels que Felix Kelly et le peintre australien, John Passmore. Passmore a dit de Vaughan: «Je lui doit beaucoup, dans un monde de fous trouver un être de talent est quelque chose pour lequel il faut remercier Dieu.>>. Les heures de loisir de Vaughan était intensivement occupées, d’abord par la peinture, mais aussi par la musique et la fréquentation assidue des spectacles de ballet; Vaughan était un grand passionné de Diaghilev. On peut considérer que Vaughan en tant que peintre est en grande partie autodidacte . Il est resté en dehors du courant principal de la peinture britannique jusqu'à la seconde moitié des années 1940, quand il se lia d'amitié avec John Minton (j'ai consacré un billet à John Minton c'est ici ) et Graham Sutherland et a été influencé par eux
 
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Vers la fin des années 30, il a passe de nombreux week-ends à Pagham avec des amis, consacrés aux bains de soleil, à la natation et à jouer sur la plage. Durant cette période il prend de nombreuses photographies dans lesquelles ses amis semblent souvent figés en plein mouvement. Ces images l’aideront probablement à trouver les attitudes, les poses qui ensuite figureront dans ses peintures de la maturité. La plage de Pagahm dans l’oeuvre de Vaughan tient un rôle similaire à celles de Long Island dans celle de Paul Cadmus.
Lors d’une visite à Paris en 1937, Il fait sa première rencontre directe avec la peinture impressionniste et post-impressionniste.
 
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En 1939, après avoir quitté Lintas, il a passe une année à sillonner toute la Grande Bretagne pour réaliser des paysages à la gouache et à l’huile. C’est son premier face à face prolongé avec la peinture!
 
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Medical inspections, 1941

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Medical inspections, 1941
 


Lorsque  la guerre éclate,  en tant qu'objecteur de conscience il  rejoint le service des ambulances. En 1941 il s’ enrôle dans le Pioneer Corps  dans lequel, parlant couramment l’allemand, Il sert d’ interprète pour les prisonniers de guerre allemands à l'Eden Camp près de Malton, (un camp de prisonniers de guerre construits avec par les détenus et considérer comme un "camp  modèle".). Il y avait accès à de nombreux conscrits et prisonniers de guerre dont il fait ses premiers modèles. Il  passe ses soirées à dessiner un certain nombre de portraits de jeunes officiers de prisonniers.

Douze des dessins et  peintures que Vaughan a peints au cours de cette période ont été achetés par la Ward Artists' Comitee et exposés à la National Gallery de Londres, à côté des oeuvres d'artistes tels que Graham Sutherland, Henry Moore et John Piper, qui admirait beaucoup Vaughan.
Ses premières expositions personnelle ont eu lieu pendant la guerre.
 
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En 1942, il était en poste à Ashton Gifford près de Codford dans le Wiltshire. C’est à cette époque qu’il  Peint «The Wall à Ashton Gifford", que l’on peut voir aujourd’hui à la Manchester Art Gallery.  En 1943 l’éditeur John Lehmann lui a commande des illustrations et des jaquettes pour ses livres.
 
 
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La jaquette de l'édition anglaise d'une saison en enfer de Rimbaud, illustrée par Keith Vaughan

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Toujours pendant la guerre, il se lie d’ amitiés avec les peintres Graham Sutherland, John Craxton et John Minton, avec qui, après sa démobilisation en 1946, il a partagé un atelier. Minton lui fait rencontrer Duncan Macdonald à la Galerie Reid & Lefevre, où Vaughan fait sa première exposition personnelle. Il continuera d’exposer dans cette galerie  jusqu'en 1952. Mais c’est principalement Graham Sutherland, déjà célèbre, qui influença grandement son travail. Par ces contacts il a fait partie du cercle des Néo-Romantiques dans l’immédiate après guerre. Cependant, Vaughan a rapidement développé un style idiosyncratique qui l'a éloigné du groupe. << J'ai passé ma vie à la recherche de moi-même. >>.  Voilà comment l'artiste résumait sa carrière Ce qui n’empêche pas de déceler assez clairement des influences dans sa peinture, en premier lieu, celle, répétons le, de Graham Sutherland mais aussi d’autres des plus diverses allant de Giacometti à Poliakof en passant par Nicolas de Stael et l'expressionnisme abstrait.
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Untitled (Male Figure) circa 1970
 
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Personnage se séchant, 1955


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Reclining Nude
 

 
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Two Figures with Snake, 1973


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Three Figures on a Red Ground, 1963
 

De 1946 à 1948 il a enseigné à l'école des arts et métiers de Camberwell . C’est Pendant cette période qu’il rencontre un étudiant en art sans ressources, Ramsey McClure. Ils vivront ensemble pendant 30 ans. Keith Vaughan a rencontré beaucoup d'autres célébrités gays des arts et de la littérature, notamment Christopher Isherwood et EM Forster, voir les journaux intimes de ce dernier pour les années 1947 et 1948 (malheureusement toujours pas traduits en français, messieurs les éditeurs un effort!), et E. M. Forster. Keith Vaughan a enseigné à l'école centrale des arts et des métiers de 1948 à 1957.
 
 

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The Ice Cream, 1948

 

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Supper at Worpswede, 1951
 

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Standing Figure, 1954

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Standing Figure (minotaur), 1950
 
Keith Vaughan, Group of figures
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Figure and sunset. 1945.
Keith Vaughan, Theseus and the Minotaure (Interior at Minos)
 
En 1952, il déménage dans un appartement  à Hampstead où il vécut jusqu'à sa mort. Cette même année, il découvre les  travaux de Nicolas de Staël à la Matthiesen Gallery de Londres. Ce qui l’aide à réconcilier la  figuration et l'abstraction, éloquence et sensualité  dans sa peinture. Cette même année  il commence une série de peintures de grands groupes. Ils sont fondés sur sa conviction que la figure humaine, le nu, est encore valable pour transcrire les aspirations de l’homme, ses rapports avec la vie de son temps pour l'expression de l'homme les aspirations et les réactions à la vie de son temps. Ces figures héroïques,  de travailleurs agricoles ou d’ouvriers, donnent le sentiment d'être isolés les uns des autres. Ils ont souvent des postures christiques. Est-ce la réminiscence des fresques religieuses de la chapelle de son école? Les couleurs en sont sourdes et puissantes. Le paysage épuré semble être comme une toile de fond d’un décor de théâtre, qui pèserait  sur eux.
 
 
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Souvent il semble plus libre, avoir plus de virtuosité dans ses œuvres peinte à la gouache que dans celles à l’huile. Cette particularité assez rare en fait à mon sens un des plus grands maîtres de la peinture à la gouache du vingtième siècle.
 
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Tout en se concentrant sur  le sujet de la figure masculine, ses travaux sont devenus de plus en plus plus abstraits avec le temps. En 1954 il est professeur à l'école  des beaux-arts de Slade, où il a David Hockney comme élève...
A partir de 1966 il partage son temps entre son travail de peintre, et l'enseignement à temps partiel à la Slade. Ayant acquis un chalet dans l’Essex, il y passe les fins de semaine et des périodes de plus en plus longues ainsi les paysages de l’ Essex deveniennent de plus en plus présent dans ses peintures à partir de 1968.
 
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Toute sa vie il a beaucoup voyagé, en France, en Irlande, en Méditerranée, en Afrique du Nord, au Mexique et aux États-Unis. Il fut aussi artiste résident à l'université de l'Etat de l'Iowa pendant l’année 1959. En 1962 une rétrospective de son œuvre est organisée à la galerie d'art de Whitechapel. Vaughan est également connu pour son journal intime. Des d’extraits de celui-ci sont publiés en 1966 et connaissent un certain retentissement. Mais c’est en 1989, après la mort de l’artiste, avec l’édition de plus larges extraits de ce journal que l’on mesure l’importance de Vaughan en tant que diariste. Dans ces écrits on découvre entre autres, un homme tourmenté par sa sexualité.
 
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Vaughan a été un peintre tout à fait reconnu dans son pays.  Il est devenu un membre honoraire du Royal College of Art en 1964 et en 1965 il a reçu un CBE (Citoyen d’honneur de l'Empire britannique). Il a aussi collaboré au magazine The london magazine (les deux reproductions ci-dessous) en proviennent.
 
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Berwick Street Market
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Hyde Park un dimanche matin 
 
Vaughan a également conçu des motifs pour des tissus. En 1958, il a été nommé le Designer de l'année pour son travail pour l’ entreprise de textile, Weavers d’Edinbourg.
Vaughan a reçu un certain nombre de commandes publiques. The Arts Council demande à l’artiste de créer une fresque murale intitulée “Au début du temps” pour le Dome of Discovery au Festival de Grande-Bretagne en 1951. Il a aussi conçu en 1954 une fresque murale en céramique pour Corby New Town dans le Northamptonshire.  En 1963 London County Council lui commande de peindre une fresque pour le Aboyne Estate Clubroom de Wandsworth.
 
 
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Aujourd’hui hormi à la Tate Britain Gallery de Londres et dans des musées de la province anglaise, il est assez difficile de voir les oeuvres de Vaughan car nombreux de ses tableaux sont dans des collections particulières. Le critique d’art Anthony Hepworth a récemment annoncé qu’il préparait le catalogue raisonné de l’artiste.
Malgré un succès considérable, Vaughan est de plus en plus auto-critique, mélancolique et solitaire. Après qu'on lui ait diagnostiqué un cancer du côlon en 1975, et souffrant d'une maladie grave des reins et de dépression (aggravée par la mort de sa mère en 1976), il se suicide le 4 Novembre 1977 en prenant une surdose de médicaments.
 
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En 2007 à la Victoria Art Gallery de Bath une rétrospective du peintre a connu un vif succès, preuve que si le peintre est je crois très méconnu en dehors de son pays (bien que des collectionneurs français possèdent de ses oeuvres, il s’en trouvait parmi les prèteurs de cette manifestation), il jouit d’une notoriété certaine dans celui-ci.
 
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Vaughan a été avant tout fasciné par le corps humain de sexe masculin, qui, comme Bernard Denvir l’observe dans le catalogue de l’ exposition des œuvres de l’artiste au Birmingham City Museum & Art Gallery, en 1981: << pris dans son travail une importance que le sujet n'avait jamais connu auparavant dans l'histoire de la peinture britannique. >>.
 
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Vaughan représente “l'homme”, souvent nu. Les traits de son visage sont généralement trop indistincts pour que l’on puisse identifier le modèle. Il situe ses figures dans un environnement, un paysage stylisé, qui semble hostile. Paradoxalement chaque élément présent dans ses toiles est une réminiscence de son vécu. Ses paysages sont peints d’après les endroits où il s'est rendu, qu’ il a parcouru; ses silhouettes correspondent à  des personnes qu'il a connues.   Ses tableaux sont aussi ceux de quelqu'un qui se sentait à l'extérieur, en quête de relations mais dans lesquelles il ne peut pas être acteur...
 
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Keith Vaughan accompli quelque chose assez rare dans la peinture britannique, mais qui est au coeur de la tradition picturale européenne: la  communion de l’homme avec la nature. On peut dire que le thème remonte et vient de la Grèce antique. Mais il n’est devenu une préoccupation consciente de l'art qu’ avec Cézanne.
 
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En 1950, Vaughan expliquait ainsi la relation entre la nature et la pratique de son art: << La nature constitue la matière vivante qui est le point de départ de l'art. Mon travail comme artiste est d'utiliser ce matériel en vue de transcrire avec clarté ces sensations que chaque personne porte en lui depuis la naissance et qui chez moi ne peut être exprimé par d'autres moyens. Mon but est de produire une peinture qui, par ses associations de formes et de couleurs, offre une expérience visuelle comme abstraite,  comme le ferait un morceau de musique. Je ne fais pas une peinture purement abstraites parce que j'estime que celle-ci n'a pas la même validité en peinture que dans le monde de la musique. Au contraire, je préfère faire découvrir des formes qui conservent l'essentiel de leurs origines dans la nature et peuvent en même temps être combinées en une seule unité. Car sans cette unité les différentes formes ne peuvent pas éclairer les unes les autres et créer cette nouvelle réalité qui est l'œuvre d'art.>>.
 
 
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C’est probablement par le biais des toiles cubistes de Matisse que Vaughan construit ses tableaux avec leur opposition entre des lignes anguleuses, dures, et d’autres plus douces, géométriques et organiques. Il installe dans cette nature recréée, ses personnages. Ce sont des figures masculines, ils sont presque toujours vus frontalement. Ils sont nus. ils leurs manquent presque tous les détails qui donneraient quelque peu une idée de leur personnalité ou même de leur vie sexuelle. Leurs visages en particulier sont sans caractère. Ils sont bien campés, mais leurs poses n'ont pas de rôle narratif. S’ils ne sont pas tout à fait idéalisés, Vaughan veut peindre l’homme dans son universalité. Vaughan parle d'eux comme des êtres spirituels. Il a déclaré: " Ce n’est de savoir ce qui rend les hommes différents qui m'intéresse, mais ce qui unit les hommes ".
Sur une base classique Vaughan a réussi à s’ exprimé  avec une rare concision. Vaughan s'est lentement éloigné de son style néo-romantique du début pour aller vers une peinture plus abstraite, mais il ne put et voulut jamais se libérer de la figure de l'homme. Profondément atmosphérique, il a peint des figures généralement solitaires, que l'on peut voir comme vulnérables, qu'il est difficile de ne pas voir comme des autoportraits. 


 
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Tout au long de sa carrière, Vaughan a maintenu une différence entre les oeuvres qu'il faisait en vue d’une exposition et celles qui avaient un caractère purement privé.  Ce deuxième groupe, créé tout au long de sa carrière, est constitué de plusieurs centaines de dessins au crayon ou à la plume et à l’ encre, représentant tous des jeunes hommes.
 
 
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Bien que le style de ces dessins se soit modifié au fil des ans, il vont du presque abstrait à l'érotique, ils sont libres des inhibitions qui apparaissent parfois dans ses tableaux destinés aux expositions. Ils révèlent plus pleinement que ses autres œuvres son amour et son obsession pour les jeunes corps masculins. En 1991 les éditions Philip Graham ont édité un recueil de ces dessins sous le titre: “ Keith Vaughan 1912-1977: Drawings of the Young Male”.
 
 
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À l'instar de nombreux gays de sa génération et de sa classe, Vaughan a été troublé par l'insécurité au sujet de sa sexualité.  Une grande partie de ce que l'on sait sur ses pratiques sexuelles proviennent de son journal, qu’ il a commencé à écrire dès août 1939 et qu’il a continué jusqu'au matin de sa mort, trente-huit ans plus tard.
 
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Dans celui-ci, il écrit: << La vérité n'est pas nécessairement belle, mais elle peut être utile aux autres >>. Voilà la raison, résumée en peu de mots, pour laquelle Vaughan a  décidé de dire la vérité au sujet de son homosexualité. Après cette ligne, il décrit explicitement ses pratiques sexuelles avec d'autres hommes, ses masturbations et ses expériences sadomasochistes.
 
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Vaughan donne un aperçu des relations qu'il avait avec d'autres hommes, qui sont souvent issus de la classe ouvrière tel John McGuiness, Johnny Walsh, et surtout son compagnon Ramsey Dyke McClure. Tout comme Minton, il a été attiré par un idéal de beauté masculine de la classe ouvrière. Cette inclinaison s’est avérée frustrante pour lui car il aspirait à trouver un partenaire qui pourrait être aussi son égal intellectuel tout en l’ attirant physiquement.

Bien que Vaughan ait écrit librement sur sa sexualité dans ses journaux intimes ainsi que dans les courtes nouvelles érotiques, qu’ il a écrivait pour son propre plaisir, il a été un produit de son époque. Il a grandi en un temps où les gays étaient conduits à vivre leurs goûts d’une manière souterraine et de se sentir coupable au sujet de leurs préférences sexuelles.
Keith Vaughan a été pris entre la mort du mouvement néo-romantique et la naissance du Pop Art (il était l'ami de John Minton, et plus tard, David Hockney, entre autres); torturé par la solitude et par son homosexualité, Vaughan est un personnage tragique.
 
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Small Assembly of Figures, 1951

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Seaside Entertainers, 1947


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Return of the Prodigal Son.

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Orpheus, 1954


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Ninth Assembly of Figures (Eldorado Banal), 1976


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Neapolitan Bathers, 1951

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Men and Boat, 1948

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Leaping Figure, 1951
 
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Nude Standing by a Chair




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Bathers By A Grey Sea, 1947

 

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Prometheus. Pen, ink and Gouache

 

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Monumental Head with Figures. Pen, wash, pen and ink on card.
 
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Yellow Figure. Gouache, 1950.
 
 
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Two Figures By A Boat - The Wanderings of Odysseus. Oil on board, 1937
 
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Two Figures. Pencil.
 
 
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Nude with Hand on Hip. Pencil.
 
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Revellers, Trafalgar Square, New Year's Eve, 1964. Pencil.
 
 
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Lay your Sleeping Head. Pen, coloured inks and gouache.

 
Bibliographie:

 

  • Keith Vaughan. Journaux et schémas, 1966, édité à Londres par Alan Ross, 219 pages.
  • Keith Vaughan : Journaux 1939-1977, Alan E-D Ross, 1989, édité à Londres par John Murray, 217 pages, ISBN 0-7195-4732-6.
  • Keith Vaughan, sa vie et travail, Malcolm Yorke, 1990, édité à Londres par Constable, 288 pages, ISBN 0-09-469780-9 (Livre cartonné)

 

 
stilllifequickheart: Keith Vaughan Still Life 1949
 
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Commenter cet article

ismau 08/06/2016 14:38

Dommage qu'un peintre aussi talentueux ne soit pas plus connu ( je ne me souviens pas avoir vu ses œuvres dans les musées ) Dommage également que ses écrits ne soient pas traduits : ils semblent intéressants d'après les extraits que vous citez, et les milieux contrastés que cet artiste fréquentait .

lesdiagonalesdutemps 08/06/2016 15:28

Malheureusement je crains que ses écrits ne soient jamais traduits et même publiés intégralement en français. Peut être que Patrick Mauries l'aurait fait mais il est allé se promener ailleurs que dans l'édition.